Solo tiene 20 años, y ya ha hecho la película más aterradora del 2026, 'Backrooms'

Si ya has llegado a cierta edad, pero tienes algún interés en mantenerte en contacto con la actualidad de la industria audiovisual, debes familiarizarte con los 'espacios luminales', un concepto que se hizo famoso en internet mediante la imposición de los 'backrooms', espacios infinitos de paredes amarillas que parecen pertenecer a oficinas vacías, pero que esconden toda clase de posibilidades siniestras.

Tras ver una de esas fotos en la red social 4chan, y cuando tenía solo 16 años, Kane Parsons decidió probar suerte en YouTube con un video (titulado "The Backrooms: Found Footage") en el que reproducía estos mismos ambientes con el uso de un 'software' gratuito (Blender) y al que agregaba un final directamente aterrador.

El éxito fue tan grande que, a partir de entonces, el oriundo de Petaluma, California, transformó el proyecto en una serie web cada vez más viral que sumaba personajes y desarrollaba una mitología cada vez más cautivadora, vinculada a unas edificaciones que aparentan ser portales a dimensiones alternas.

Ahora, con solo 20 años de edad, Parsons se encuentra en el momento más ajetreado de su temprana existencia, como consecuencia de la campaña promocional de (¿que más?) "Backrooms", una película producida por A24 que se encuentra protagonizada por dos excelentes actores (Chiwetel Ejiofor y Renate Reinsve) y que, además de llevar el relato a otro nivel, le permitió construir realmente de manera física las lúgubres instalaciones que se encontraban hasta el momento representadas en animaciones de 3D.

Convertido con esto en el director de cine más joven de la historia en lo que respecta a una producción de estudio hollywoodense, el aludido ha estado sometido desde hace varias semanas a un ir y venir constante que lo ha tenido ya en Nueva York, Londres, Milán, Los Ángeles, Toronto y la capital azteca, donde participó en una presentación especial de CCXP México, uno de los festivales de cultura pop más grandes de Latinoamérica,

Pese al cansancio natural que experimenta, Parsons sacó de la nada (o quizás de un espacio liminal) el tiempo necesario para ofrecernos la entrevista virtual que figura a continuación tanto en su versión completa en video como en una transcripción de texto debidamente editada.

Kane, hay mucha gente que sigue estando sorprendida por tu edad y por lo mucho que has logrado. Pero no eres un novato en el medio; empezaste a hacer videos hace más de una década, por lo que ya estabas de algún modo preparado para lo que te está sucediendo ahora.

Lo que he estado haciendo en internet a lo largo de los años no es comparable a lo que está pasando en esos momentos. Eso era algo mucho más aislado, en el sentido de que trabajaba solo, con un presupuesto de cero dólares y sin marketing alguno. Pero lo curioso es que hacer esta película se ha sentido mucho menos diferente de lo que esperaba inicialmente.

La gente está también sorprendida porque no tienes una formación cinematográfica formal; pero tu caso es una prueba más de que hay una nueva generación de cineastas que proviene de distintas plataformas y que está haciendo películas realmente buenas. Sé que tu inspiración principal son los videojuegos y YouTube, ¿verdad? No es que hayas visto miles de películas.

Sí, no soy un cinéfilo. He crecido viendo películas y me encanta el cine como medio, pero creo que YouTube, más que ser un lugar concreto que está dando a luz a cineastas, es un lugar donde los creadores se dejan llevar tanto por el proceso de prueba y error que no tienen tiempo para plantearse una formación académica al respecto. Es más bien un viaje personal en el que intentas procesar la vida a través de esta forma de arte. Y cuando lo miras desde esta perspectiva, no hay mucho espacio para una trayectoria académica a través del cine.

Aun así, fuiste capaz de crear toda clase de atmósferas inquietantes en la serie web, que era bastante cinematográfica. Lo interesante es que se trata de un proceso que probablemente empezó en el cine, que luego pasó a YouTube y que finalmente llegó hasta ti.

Me alegro de que digas eso, porque es lo que yo siempre digo. La gente suele hablar de ello como si fuera algo aparte, pero YouTube no es más que gente que está influida por la cultura pop en general. Es que todo acaba filtrándose. Me gusta inspirarme en la historia del cine, pero creo que lo hago de una forma un poco menos consciente.

Pero, en esta película en concreto, me da la impresión de que hay referencias más evidentes a clásicos como "El resplandor" ["The Shining"] o al estilo surrealista de David Lynch. Esta era tu primera película, así que, probablemente algunas personas del entorno te recomendaron ver ciertas cosas o te dieron algunas ideas. ¿Fue algo consciente, o cómo sucedió?

Puedo entender el parecido, porque he visto "El resplandor" y la tengo grabada en algún lugar de mi mente. Pero no fue una influencia consciente, ni mucho menos. En cuanto a Lynch, solo he visto "Eraserhead". Voy a intentar ver toda su filmografía este verano, cuando tenga por fin algo de tiempo.

Pero hay sin duda un solapamiento en las cosas en las que nos inspiramos y en la forma en que interactuamos con nuestros encuadres y el ritmo que manejamos. No hubo un esfuerzo consciente y deliberado por emular un estilo o una sensación, pero estoy seguro de que hay cosas subconscientes que se han filtrado a través de la cultura y que me están llegando de alguna manera.

Creo que hay ciertas influencias aleatorias en mi vida que no son súper claras y obvias en la película, pero que, de alguna manera, han moldeado sutilmente la forma en que capto los entornos, y que tienen que ver con los proyectos audiovisuales, las películas y las series que me han emocionado a lo largo de los años.

Además, el concepto de los 'backrooms' exige, en cierto modo, que el espectador se centre en sí mismo, como si dependiera del uso de lentes de gran angular, de un diseño de sonido específico y de una cadencia que te sumergen en un estado en el que te mantienes alerta, escuchando con atención, evaluando el entorno y siendo muy receptivo a los movimientos sutiles.

Sí, se siente muy natural y está totalmente en la línea de la serie web, pero, al mismo tiempo, está mucho más pulido. La serie estaba casi toda presentada en el estilo del 'metraje encontrado', pero aquí hay muchas más escenas que son al aire libre y que manejan un estilo más clásico del cine, como lo hacen varias escenas dentro de los 'backrooms', donde tampoco empleas unicamente el recurso del 'metraje encontrado'. Mencioné a Kubrick por esa sensación de amplitud del espacio.

Los 'backrooms' manejan, en esencia, un concepto centrado en el espacio. Lo primero que abordamos en esta película era el escenario, el emplazamiento. Es lo primero que todo el mundo sabe al ver esta película o de lo que se da cuenta. La mayoría de nuestras decisiones creativas fueron ecos de ese objetivo inicial.

Con los lentes angulares, podíamos lograr que, cuando seguimos a Chiwetel por ese espacio, también se viera el entorno periférico. Como todo está enfocado, se produce la sensación real de que algo podría pasar en cualquier momento. Estás como a la espera, buscando continuamente, y tus ojos no se quedan solo en el personaje, sino que exploras el espacio con él.

¿Te resultó muy complicado trabajar en la puesta en escena? ¿Colaboraste mucho con el director de fotografía? Sé que Oz Perkins, el afamado director de "Longlegs" y "The Monkey", te ayudó, pero no sé si estuvo presente durante el rodaje.

Yo me encargué de todo esto. Rodé en Vancouver, y ahí es donde hicimos todo, incluyendo el montaje y la posproducción. Ahí es también donde está la productora Oddfellows, que lleva haciendo las películas de Oz desde hace un par de años. Así que son muchas de las mismas personas que llevan trabajando juntas, lo que ha creado una especie de máquina bien engrasada y una familia muy unida.

Conocí a Oz cuando llegué a esa ciudad, y es un encanto. Me ayudó mucho, aunque estaba trabajando en su propia película en ese momento. Como era productor del proyecto, me apoyó mucho a la hora de defender mi visión creativa ante el resto del equipo. Es una persona que valora sobre todo la labor de los directores.

También colaboré, sí, con Jeremy Cox, que es el director de fotografía y que tiene un talento increíble, como lo tienen todos los jefes de departamento de este proyecto. Pero yo quería involucrarme en todos los departamentos tanto como pudiera. Y eso ha hecho que no haya podido dormir mucho desde el año pasado.

Además de dirigir, compuse gran parte de la banda sonora y trabajé un montón en los efectos visuales. Diseñé todos los decorados. Fue una buena combinación del flujo de trabajo al que estoy acostumbrado con mi labor en YouTube y los aportes increíbles que me dieron todas estas personas increíblemente talentosas.

En lugar de que todo fuera hecho a través del 'software', que fue todavía el punto de partida, lo hablé con ellos, que se pusieron manos a la obra y lo ejecutaron en el mundo físico en lugar del digital.

Todo lo que dices es fundamental para entender que no eras simplemente el chico famoso al que le dijeron: "Tú solo siéntate, da la cara y nosotros haremos todo". Pero no sé si participaste en el guión, que aparece firmado por una sola persona, o si pensaste en algún momento en hacerlo por tu propia cuenta.

Esa parte de la conversación empezó antes que todo lo demás, en el 2022. Siempre quise tener un papel secundario en el desarrollo del guión y no estar tan involucrado en su escritura. Hablé con Will Soodik, el guionista [acreditado], antes de que él se pusiera a escribir, y esbozamos el arco de la película y la mayoría de las decisiones generales.

Claro que jugué con algunas cosas mientras rodábamos, para introducir algo de mi propio lenguaje. Y creo que muchas cosas cambiaron en el camino, incluso en la preproducción y en la post. Pero todo estaba al servicio de lo que siempre supe que queríamos, que era acercarnos cada vez más al aspecto, la atmósfera y la lógica de mis trabajos anteriores, así como asegurarnos de que esto no derivara en algo que se asemejara a una película genérica de Hollywood o que cayera en clichés excesivos.

Fue algo flexible, pero, si te soy sincero, fue probablemente la parte del proyecto sobre la que tuve menos control creativo, aunque, como he dicho, con el paso del tiempo, ese control creativo fue aumentando cada vez más.

La película te dio también la oportunidad de trabajar con actores de verdad, y de un nivel ciertamente alto, porque ambos han sido nominados al Oscar. ¿Tuviste que seguir algún proceso específico para dirigirlos? Las sesiones de terapia entre sus personajes son fantásticas; tienen un toque muy psicológico y profundo.

Tuve la gran oportunidad de conocerlos antes de esto, y trabajé con ellos para desarrollar a los personajes durante un par de meses. Así que cuando, finalmente lo hicimos, no me preocupaba tanto su estatus, porque estaba demasiado centrado en el producto final. Es decir, son personas con un talento increíble, y me facilitaron mucho las cosas.

Además, no tienen personalidades difíciles; son sumamente tranquilos y modestos. Todo lo que hicimos se desarrolló a través de conversaciones muy abiertas y sinceras. Fueron capaces de entrar y salir de sus personajes con total naturalidad, y resultaron muy amables con sus comentarios.

Al final de cada día, yo les preguntaba: "¿Qué puedo hacer para ayudarlos a lograr su mejor nivel interpretativo? ¿Tienen alguna sugerencia para mí?" Yo era todo oídos, porque esto era algo muy nuevo.

Creo que, al final, se trataba simplemente de utilizar el lenguaje que yo ya conocía para conseguir lo que buscaba en el plano creativo y aplicarlo al aspecto más emocional y psicológico de la película. Fue bastante divertido, la verdad.

Por supuesto, sabíamos que íbamos a tener a las 'entidades' por aquí. Y lucen magníficamente. Hay una en particular que es absolutamente aterradora, y parece que se hizo con un actor metido en un traje. Pero también usaron marionetas y CGI, ¿verdad?

La mayoría se hizo con efectos prácticos. El que mencionas fue interpretado por Robert Bobroczkyi, un actor de 2.31 metros al que tuvimos que hacerle cierto trabajo de prótesis y cuya cara fue sin duda la que tuvo más uso de CGI, como animación y todo eso.

Es que no podíamos manejarla como una marioneta mientras él estaba dentro, porque es una cabeza muy pesada que se sujeta al cuello y a la espalda. Pero hay algunas tomas, como los primeros planos, en las que se ve que es una marioneta.

También teníamos a las llamadas 'still lifes', que llevaban un montón de variaciones con diferentes niveles de maquillaje y prótesis. Lucían el mismo aspecto que en la película mientras se encontraban en el set, y llevaban todo eso encima a lo largo del día entero, por lo que te colocabas en la cola del comedor y los veías allí, bebiendo con sorbetes. Hicieron un trabajo estupendo y fueron muy pacientes con nosotros.

Este artículo fue publicado por primera vez en Los Angeles Times en Español.

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This story was originally published May 28, 2026 at 11:52 PM.